Présentée sur une massive table de pierre évoquant une dalle funéraire fissurée, cette nature morte se déploie dans une atmosphère de tragique concentré. Un calice, du gibier abattu et un panier de fruits sont disposés devant le regard. Les langues pendantes de la pintade et du canard, faisant écho aux grappes de raisin, instaurent une symétrie presque héraldique, formant un noyau compositionnel et sémantique d’une grande tension. Privés de toute légèreté décorative, les objets se distinguent par une plasticité pesante, une palette retenue et un modelé pictural dense et assuré soulignant leur matérialité.
L’œuvre est investie d’une profonde dimension métaphorique et philosophique. Le gibier abattu et le raisin saignant apparaissent comme l’image d’un sang sacrificiel pleurant la perte de vies innocentes - la sienne et la sienne, celles des amants, de la famille, de l’origine même de l’existence. Le panier, interprété comme un nid, renferme le symbole du commencement de la vie incarné par la pomme, tandis que le raisin encore vert évoque un chemin à peine entamé. Le calice devient le signe de la gloire et de la vanité humaines: pour l’homme, il représente le trophée, la joie et la plénitude de l’existence, demeurant indifférent à la perte. La nature morte s’impose ainsi comme une méditation profonde sur le prix de la victoire et la fragilité de la vie.
Dimensions: Sans cadre: 52 × 70 cm. Avec cadre: 74 × 92 cm.
Matériau: Huile sur toile.
État: Bon. Couche picturale stable. Légères marques du temps conformes à l’âge de l’œuvre.
Provenance: Collection particulière.
Au début du XXᵉ siècle, la nature morte dans la peinture russe connaît une profonde réévaluation et un enrichissement conceptuel. S’éloignant des solutions décoratives et narratives de la fin du XIXᵉ siècle, les artistes élaborent des compositions symboliquement chargées, dans lesquelles le monde des objets devient porteur de significations philosophiques, existentielles et historiques. C’est dans ce contexte artistique que s’inscrit l’œuvre d’Alfred Alexandrovitch Girv - un artiste dont la vie et la carrière coïncident avec le seuil dramatique d’une époque précédant les catastrophes de la Première Guerre mondiale et de la Révolution russe.
La nature morte de chasse, traditionnellement associée à l’abondance, à la prospérité et au statut social, acquiert au début du XXᵉ siècle une résonance différente, souvent tragique. Dans les collections muséales russes et européennes, de telles œuvres sont fréquemment interprétées comme des allégories de la fugacité de l’existence, de la vanité des ambitions humaines et de l’inévitabilité de la perte. La surface de pierre servant de base à la composition renforce les associations mémorielles et funéraires, rapprochant l’œuvre du genre vanitas, réinterprété dans le contexte du symbolisme et des recherches post-réalistes.
Datée de 1913, aujourd’hui perçue comme la dernière année paisible de l’Empire russe avant la catastrophe historique imminente, l’œuvre reflète la conscience aiguë des tensions de l’époque, la prémonition de l’effondrement de l’ordre établi et la vulnérabilité de l’existence humaine. Dans ce cadre, la nature morte de Girv se révèle comme une méditation visuelle sur la vie et la mort, où les objets quotidiens perdent leur fonction utilitaire pour devenir des signes du destin. Le raisin, la pomme et le calice, profondément enracinés dans la symbolique artistique européenne et russe, s’unissent ici en un réseau complexe d’allusions faisant écho aux exemples muséaux de la nature morte symboliste du tournant du siècle. L’œuvre s’inscrit pleinement dans les recherches artistiques de l’époque pré-révolutionnaire, affirmant le haut niveau intellectuel et philosophique de la peinture de chevalet russe du début du XXᵉ siècle.
L’état général est bon. La toile est plane, sans déformation. La surface picturale est stable, sans manques. De légères marques du temps sont visibles, sans incidence sur la perception visuelle ni sur la valeur artistique de l’œuvre.
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